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Oscars 2016: «La genialidad de Iñárritu me obligó a bucear en su mundo»

El actor Leonardo DiCaprio acumula seis nominaciones al Oscar en su carrera, cinco de ellas en la categoría de interpretación, peronunca ha ganado. Puede que este sea, finalmente, su año con El Renacido. La cinta, dirigida por Alejandro González Iñárritu, cuenta como Hugh Glass, el legendario cazador del siglo XIX, sobrevivió milagrosamente después de ser atacado por un oso y abandonado a su suerte por sus compañeros.

-¿Merece la pena arriesgar la salud por una buena película? 

Se ha hablado mucho de las condiciones en las que trabajamos, pero lo que quieres como audiencia es autenticidad. Para conseguir una obra de arte hay que arriesgarse. No te voy a negar que rodamos un territorio sumamente frío, pero trabajé con un director que veía las cosas bajo un microscopio. Con él logré ver el mundo de una forma mucha más genuina. Soy un hombre que aprecia la atención a los detalles, como la que Alejandro puso en el rodaje para hacer un trabajo tan real. Lo importante es el resultado, que la audiencia disfrute con este tipo de cine. Estoy muy orgulloso de ver las pocas escenas que han necesitado efectos digitales. La genialidad de Iñárritu nos obliga a bucear en su mundo. Es un estilo de cine único, algo que yo quiero seguir viendo. Quiero animar a los miembros de esta industria a sacar los pies del tiesto y arriesgarse con películas como esta. Soy el primer admirador de este filme. Que gane premios es buenísimo, porque llama la atención de la audiencia y mejor que mejor, pero lo importante es que se sigan realizando proyectos así. Quiero ver más cine de este tipo brotando de los estudios de Hollywood.

-Sin duda se siente muy orgulloso del resultado. 

Esta película es la culminación de un trabajo duro. Este filme era un experimento a muchos niveles. Creo que es la película más autentica que he hecho en mi carrera. Mi personaje es alguien a quien le han sustraído absolutamente todo y que necesita encontrar su camino espiritual, su razón de existir para seguir luchando. Contar eso sin apenas diálogo fue muy interesante.

-Que usted gane el Oscar se ha convertido en la lucha de sus admiradores. 

La intención de hacer esta película no fue la de ganar un Oscar, para mí es interesante, porque es bueno ser reconocido por tus compañeros, por tus seguidores y mucho más con una película que necesita una gran concentración por parte de la audiencia. Que la cinta sea reconocida en tantas áreas significa muchísimo para mí.

-Alejandro González Iñarritu ganó el año pasado con «Birdman», pero sin duda una buena apuesta para que usted pueda ganar el suyo es trabajar a las ordenes de un director galardonado. 

La razón por la que trabajas con alguien no es por ganar un Oscar, sino porque es un gran artista. Alejandro es de los directores con más sentido común que conozco, es un sabio y sus películas comunican bien con el publico. Creo que Alejandro hace un cine intemporal que seguirá hablando a las generaciones futuras. Nosotros queríamos vivir una aventura juntos en un entorno natural y retratar una historia de estas características.

-Su próximo proyecto gira en torno a otro documental sobre el cambio climático, un asunto en el que está muy involucrado.

Sí, esa es mi lucha. Al mismo tiempo que rodaba esta película, producía el documental sobre el medio ambiente volando por todo el mundo. Espero estrenarlo muy pronto y mostrar al mundo lo que hemos aprendido. Cualquier persona que no cree en el cambio climático, simplemente no cree en la ciencia.

González Iñárritu: “The Revenant” es un homenaje al gran cine

González Iñárritu: “The Revenant” es un homenaje al gran cine

Con sus paisajes salvajes y duras condiciones de realización, el drama de supervivencia y venganza “The Revenant” es un homenaje a la forma antigua de hacer cine, dijo el galardonado director mexicano Alejandro González Iñárritu.

Inspirada en hechos reales, “The Revenant” cuenta la historia del aventurero y cazador de pieles Hugh Glass (interpretado por Leonardo DiCaprio), quien en una expedición es atacado por un oso y abandonado por parte de su equipo que cree que morirá. Pero Glass sobrevive y emprende un viaje en busca de venganza.

Para darle más autenticidad a la película, González Iñárritu, quien el año pasado ganó el Premio Oscar como mejor director y mejor película por “Birdman”, usó luz natural en vez de efectos especiales.

“Esto es un homenaje a cómo se hacía cine en los orígenes y a la gran cinematografía, el hecho de ir a los lugares reales y no modificar (…) o jugar con los píxeles e imágenes de computadora”, dijo en una entrevista realizada en Londres.

“The Revenant” fue filmada en Canadá y Argentina. El elenco y el equipo de rodaje enfrentaron duras condiciones climáticas y geográficas. “No fue una filmación cómoda para nada”, dijo el director y añadió que “es sobre lo que trata la película y tiene sus recompensas (…), muestra realmente la naturaleza como es, no de la manera que la vemos en un parque sino como es en realidad”.

La película parece encaminarse a ser una de las favoritas para los premios Oscar luego de ganar tres Globos de Oro el domingo como mejor filme en la categoría drama, mejor actor en un drama para DiCaprio y mejor director para González Iñárritu.

Armas de Alemania a Guerrero en una cinta de ficción… muy cierta

  

Escrito por Yetlaneci Alcaraz.

MUNICH (apro).-Peter Zierler, tirador estrella y experto de la empresa productora de armas alemana HSW, acababa de instruir a un grupo de policías estatales de Guerrero sobre el uso del fusil de asalto SG38, cuando éstos salieron con las nuevas armas a reprimir una manifestación estudiantil que dejó un saldo de dos jóvenes muertos.

La violencia en esos hechos, en los que el propio alemán estuvo a punto de ser baleado por un estatal, le hicieron cobrar conciencia de lo oscuro del negocio con el que se ganaba la vida: armas fabricadas con tecnología de punta para ser vendidas, sin escrúpulos, a regiones del mundo –como México– donde el respeto a los derechos humanos no existe, pero sí una violencia exacerbada que mata a ciudadanos.

Además, los remordimientos del joven Zierler se agudizan al ser testigo de las negociaciones entre los altos jefes de la armadora, representantes del gobierno mexicano y autoridades alemanas, y darse cuenta de que eso que hacen no es del todo legal.

Y es que sólo mediante la corrupción y complicidad es posible que fusiles alemanes se conviertan en la herramienta de trabajo de los policías en entidades mexicanas como Guerrero, vetados por el propio gobierno alemán para ser exportados.

Tras un ejercicio de mea culpa, el joven Zierler decide tomar distancia de la gran fraternidad que representa la familia HSW –en la que producir armas es un asunto de tradición y casi de identidad–, y a partir de ese momento comienza para él y su familia un verdadero infierno.

En realidad, la armadora alemana HSW y el fusil de asalto SG38 no existen. Son una ficción llevada al cine por el director alemán Daniel Harrich en su más reciente película ‘Meister des Todes’ (Campeón de la Muerte), que aborda justamente el caso de fusiles de producción alemana ilegales en México. El filme fue estrenado el pasado 30 de junio en el marco del Festival de Cine de Munich.

Si bien se trata de una película de ficción, el tema, los hechos y los datos que ahí se exponen no son un invento, sino una realidad. Para los conocedores del tema, la trama refiere al caso legal que involucra a la productora de armas alemana Heckler & Koch, y la sospecha de que ésta exportó deliberadamente y de manera ilegal fusiles de asalto G36 a Chihuahua, Jalisco, Guerrero y Chiapas.

“‘Meister des Todes’ es un largometraje de investigación que narra el suministro de armas de una empresa alemana ficticia hacia México. Pero el contenido de la trama se basa en mis investigaciones de muchos años, en el trabajo conjunto con Jürgen Grässlin, Thomas Reutter y Wolf-Dieter Vogel, en miles de documentos secretos de Alemania, México y otros países, así como investigaciones actuales de la fiscalía”, explica en entrevista con Apro el director de la cinta, Daniel Harrich.

Añade: “La película devela el entretelón y desarrollo de las exportaciones ilegales de armas, y la mayor parte de la trama es resultado de una investigación que aporta información hasta ahora desconocida”.

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La euforia de los funcionarios de la ficticia HSW ante el jugoso contrato de compra de armas para el estado mexicano de Guerrero se diluye cuando reciben la información de que la entidad sureña está en la lista de sitios en los que está prohibido exportar armamento alemán.

El ánimo se recompone, sin embargo, cuando funcionarios del Ministerio de Economía y de la Oficina Federal de Exportaciones alemanes (encargados de otorgar las autorizaciones de exportación de armas) sugieren a los representantes de HSW, en diversos encuentros, eliminar de la lista de destinatarios de las armas a los estados en crisis. Un “ya lo que se haga en México, a Berlín no le interesa”, por parte de un funcionario, sentencia la solución al problema: modificar los documentos de tal forma que ante la autoridad alemana no se señale a las zonas prohibidas como destinatarias de las armas.

Complicidad, corrupción, co-ayuda. Si es una u otra cosa, quien tendrá que decidirlo es, en todo caso, la fiscalía de Stuttgart en el momento en que decida emprender el procedimiento legal contra la productora de armas alemanas. Y es que, a decir del propio Harrich, los diálogos ficticios en ‘Meister des Todes’ están basados en documentos oficiales en su poder que podrían dar un giro a las investigaciones reales.

Desde septiembre de 2010 –cuando el antiarmamentista Jürgen Grasslin denunció a H&K– la fiscalía alemana de Stuttgart investiga la posible responsabilidad del fabricante de armas en la violación de los lineamientos que prohíben exportar armas a regiones en situación de guerra civil o donde se violan los derechos humanos.

En febrero de 2014 el propio Harrich reveló en el documental de su autoría, ‘Armas de exportación mundial fuera de control’, la presencia de fusiles G36 no sólo en Guerrero, sino también en Jalisco, Chihuahua y Chiapas, los cuatro vedados por la autoridad alemana.

No sólo eso. El diario berlinés ‘Tageszeitung’ (TAZ) publicó las investigaciones del periodista Wolf-Dieter Vogel, quien desde 2012 documentó la presencia de los G36 en Guerrero durante el enfrentamiento que sostuvieron policías federales y estatales con normalistas de Ayotzinapa durante un bloqueo en la Autopista del Sol, a la altura del municipio de Chilpancingo.

Después, en el otoño de 2013, Vogel también reveló la presencia del fusil entre la policía comunitaria de Tixtla, que a su vez lo había decomisado a la policía municipal.

Y más recientemente, en enero de este año, el periodista dio a conocer que la policía municipal de Iguala utilizó el mismo tipo de arma de manufactura alemana durante los sucesos del 26 de septiembre de 2014, cuando seis personas murieron y 43 estudiantes de la Normal de Ayotzinapa desaparecieron.

Después de casi cinco años de investigación, en que los aportes periodísticos han sido fundamentales, todo apunta a que será durante este verano cuando la fiscalía alemana decida si emprende una demanda formal en contra de la empresa armamentista.

Aunque pareciera poco probable que un largometraje pudiera influir en el curso del caso, lo cierto es que en su cinta Harrich aportaría información hasta ahora desconocida, como los intercambios entre autoridades alemanas y representantes del consorcio de armas.

Ya en 2013, con su película ‘La mancha ciega’ (Die blinde Fleck) sobre el atentado terrorista de septiembre de 1980 en Munich, durante la celebración de la Fiesta de la Cerveza el Oktoberfest, en el que murieron 13 personas y 211 más resultaron heridas, y en el que también hizo revelaciones hasta entonces desconocidas, Harrich consiguió que se reabrieran las investigaciones en torno de ese caso.

Tras su paso por el Festival de Cine de Munich, ‘Meister des Todes’ será transmitida en cadena nacional por la televisión alemana el próximo 23 de septiembre, y se espera que llegue a millones de televidentes.

“Escogí el formato de largometraje porque es una forma de llegar a mayor cantidad de público. Tenemos que informar al mundo lo que sucede en Alemania y las consecuencias que ello tiene en países como México. Además, de esta forma mucha gente que normalmente no se interesa por estos temas, lo hará bajo el formato de una película”, explica Harrich., y dice que ya trabaja para que en el próximo otoño la película pueda ser transmitida en salas de cine de México.

40 años del Tiburón de Steven Spielberg

Fue en el verano de 1975 que ‘Jaws’ comenzó a escribir una historia en la pantalla grande y cambió el cine comercial para siempre. Espectadores, primero de Estados Unidos y luego de todo el mundo, vivieron el terror a través de esta cinta que da escalofríos, llena de suspenso y una historia de la que aún se habla.

Como sucede con algunas películas, su manufactura está llena de anécdotas y situaciones que transformaron la idea original pero esto fue precisamente lo que las hizo únicas. ‘Jaws’ se convirtió rápidamente en una película que batió récords en taquilla, en venta de artículos promocionales y mandó al cielo las ventas de la novela homónima en la que se basó la trama del amenazador y sanguinario tiburón blanco, protagonista de la cinta.

STEVEN SPIELBERG

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David Brown y Richard D. Zanuck fueron los productores de la película, y se cuenta que ambos compraron los derechos de la novela ‘Jaws’ de Peter Benchley antes de publicarse. También, que la leyeron de corrido en una noche cada uno por su parte, para en la mañana siguiente tener la resolución de realizar la película. Comenzaron a buscar un director que hiciera posible la puesta al cine de la novela que los había cautivado y aunque primero pensaron en John Sturges, director de otra obra marítima: ‘El Viejo y el Mar’, se inclinaron por Dick Richards. Las diferencias entre los productores y este director hicieron imposible que siguiera a cargo del proyecto. Fue entonces que un joven Steven Spielberg, de apenas 27 años, entró a escena; éste había realizado su primer largometraje con estos mismos productores: The Sugarland Express, así que esto le valió para quedarse con la silla del director en ‘Jaws’.

La estrella es el tiburón

An undated handout picture shows a 1974 photo of a man preparing the mechanical shark during the shooting of the film "Jaws" at Martha's Vineyard

Pese a tratarse de una historia que no hace justicia a estos hermosos animales, las historias de bestias marinas y hambrientas han recorrido la ficción en muchas de sus expresiones. Así pues, éste temido tiburón blanco es en realidad el protagonista de la cinta. Así mismo lo quería Spielberg al inclinarse por actores poco conocidos hasta entonces, asegurando que un actor conocido “distraería” al público de la verdadera estrella. En los papeles principales contó con Roy Scheider que interpreta al jefe de policía Martin Brody, Richard Dreyfuss da vida al oceanógrafo Matt Hooper, Robert Shaw al cazatiburones Quint, Murray Hamilton al alcalde de Amity Island y Lorraine Gary a Ellen, esposa de Brody.

Para realizar el famosísimo tiburón que vimos en la pantalla se recurrió a los efectos mecánicos y se realizaron tres réplicas de tamaño real bajo la supervisión de Bob Mattey, especialista en esta clase de efectos y que estuvo a cargo de realizar el calamar gigante de la cinta ‘Twenty Thousand Leagues Under the Sea’ (20.000 leguas de viaje submarino) de 1954. Dichas réplicas mecánicas se convirtieron en todo un problema a la hora de rodar, no solo porque eran necesarios al menos 14 buzos para hacerlo funcionar, sino que el material y los mecanismos se estropeaban constantemente por el agua salada del mar. La leyenda cuenta que debido a esto, muchas de las veces esta es la razón por la que no vemos el tiburón en la pantalla y sólo escuchamos la música o vemos el terror de los personajes. Esto, sin duda, incrementó el nivel de suspense de la cinta, así como el resultado final en el que da más terror lo que no ves.

Dificultades y maestría

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Así como se tuvo problemas para dar vida a la estrella de la película, toda la producción estuvo bajo innumerables problemáticas, el presupuesto se duplicó, el rodaje se llevó de 159 días y no 55 que son los que se tenían previstos. El guión sufrió muchos cambios y transformaciones, incluso durante la grabación de la película. Sin embargo, todo esto fue resuelto por el joven director y las personas que estuvieron involucradas en el proyecto. Spielberg explica que su inexperiencia le llevó a cometer muchos errores, aunque también a aprender de los inconvenientes.

Lo que Universal Pictures preparó para el estreno de su cinta se le identifica como el inicio de las prolíficas temporadas de verano para el cine. Hasta entonces, los estrenos de las cintas no se hacían de forma masiva sino progresiva y escalonada. Tampoco había grandes campañas publicitarias antes del estreno de una cinta, y ‘Jaws’ marcó esa diferencia con campañas televisivas previas. Además, incluyó el merchandising como tal durante el periodo de proyección de la película, así, se podía adquirir productos de la misma tales como toallas, vasos, mantas, disfraces y muñecos de tiburón, juegos, carteles, pijamas, pistolas de agua, collares de dientes de tiburón, la novela de Peter Benchley, entre muchas otras cosas.

El inolvidable tema de ‘Jaws’

Si hay algo que identifica a ‘Tiburón’ (como se le conoce en América Latina) es sin duda su tema principal. Basta un par de notas y sabemos de qué se trata, otro par de notas y ya estamos con los vellos de punta, nadando, en algún lugar de nuestra imaginación, a toda velocidad con un terror indescriptible. Esta genialidad la compuso el gran John Williams. Este hombre es un genio de los soundtracks; él ha escrito muchos de los temas que bien pueden ser nuestro soundtrack pues es autor de la música de queridas franquicias como: Star Wars, (sí, del ícono indiscutible del cine: la Marcha Imperial), Indiana Jones, Jurassic Park, Harry Potter. Así como de películas memorables como E.T.:The Extraterrestrial y Schindler’s List.

Este autor estadounidense trabajó con Spielberg desde su debut en ‘The Sugarland Express’ y fue llamado para la ‘Jaws’ con el cual ganó el Oscar como Mejor Banda Sonora Original. De hecho, John Williams ha obtenido el premio de la Academia en cinco ocasiones. Además, por su participación y su genial arte en ‘Tiburón’ ganó los premios BAFTA, Globo de Oro y Grammy.

40 años de terror

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Así pues, llega la fecha en el que el terror en las playas se revive con el 40º aniversario de ‘Jaws’ que cambiaría la historia del cine, de Spielberg, de la comercialización de las películas taquilleras de verano. Su envidiables cifras la posicionaron como la mejor película taquillera de ese tiempo, título que solo sería arrebatado por Star Wars en 1977, sin embargo hablamos de una recaudación que ascendió a 470,7 millones de USD en ganancias totales, nada mal aún con un presupuesto que se duplicó. Las posteriores tres entregas de esta cinta no contaron con los productores, ni el director de la cinta y se les considera de muy inferior calidad.

Además, ‘Jaws’ fue nominada a muchos premios entre los que destacan las cuatro nominaciones al Oscar en las categorías: Mejor Sonido, Mejor Edición, Mejor Banda Sonora, Mejor Película; siendo este último el único que no se llevaría la película. También fue galardonado en los Golden Globes, BAFTA, People’s Choice Awards, entre otros.

Bonus: nota de la estrella

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Fue el mismo escritor autor de la novela ‘Jaws’, Peter Benchley, quien declaró años más tarde que si hubiera sabido cómo es el comportamiento real de los tiburones blancos no habría escrito su novela, sin embargo lo más delicado del asunto tal vez sea quedarnos solo con la imagen de la ficción y olvidarnos que los tiburones en general son seres delicados y necesarios para la salud de los ecosistemas marinos. De hecho, gran parte de la crítica de los grupos conservacionistas a ‘Jaws’ va en este tenor, de atribuir a los tiburones un comportamiento agresivo y maligno en contra de los seres humanos, cuando esto no es así.

Algunos datos curiosos sobre la película:

-Se crearon 3 tiburones para la película. Spielberg los llamó de cariño “Bruce”, por su abogado Bruce Ramer. Cada tiburón costó 25 mil dólares. Una fortuna para la época.

-Martha’s Vineyard, en la costa este de Estados Unidos, fue la isla en donde se filmó la película. La gente de la isla actuó como extras y todavía existen los objetos creados para la película. Fue la primera vez que se usó como escenario para una cinta.

Tiburón fue un éxito de taquilla. Fue la primera película en llegar a los 100 millones de dólares, en una época en la que no se acostumbraba verlas en el verano. Las cintas importantes se estrenaban en diciembre.

-A pesar de ser recordada por la violencia en la película, Tiburón tuvo 7 muertes en la misma, incluidas la de un perro y el tiburón precisamente.

-El blockbuster del verano nació el 20 de junio de 1975, con el estreno de la película. Dos años más tarde se estrenaría otro: Star Wars.

-La famosa frase: “You’re gonna need a bigger boat” (“vamos a necesitar un barco más grande”), no estaba en el guión. Se le atribuye a la improvisación del actor Roy Scheider.

-Bruce (el tiburón) estuvo descompuesto gran parte del tiempo, lo que hizo que Spielberg usara la cámara de manera subjetiva para poder corregir este error. Tiempo después esto se convertiría en un estilo, gracias también a la labor magistral de su editora Verna Fields.

-El tiburón no se probó en el agua, si no ya hasta que se iba a grabar. Cuando lo colocaron en el mar, se hundió hasta el fondo. Un equipo de buzos tuvo que sumergirse para rescatarlo.

-La película se estrenó en 464 pantallas en los Estados Unidos, gastando  2.5 millones de dólares en promoción, la cual fue la mayoría para la TV, una novedad en su época.

-Sólo dos notas musicales necesitó el compositor John Williams para causar terror.

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Dan claquetazo a la película mexicana: ¿Qué culpa tiene el niño? Se filmará una parte en Acapulco

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En compañía de los actores Karla Souza, Ricardo Abarca, Jesús Ochoa y Erick Elías, el cineasta Gustavo Loza y la productora Mónica Lozano, dieron el claquetazo de la película ´¿Qué culpa tiene el niño?´, cuyo estreno está programado para febrero de 2016

En conferencia de prensa, el realizador, quien ha dirigido también cintas como “Paradas continuas” y “La otra familia”, detalló que su nueva producción es una comedia familiar, que tiene la intensión de hacer reír a la gente con un mensaje lindo y generoso.

Sobre su interés por volver a hacer cine, dijo que surgió hace menos de un año, “lo que me motivó mucho fue la gran capacidad de respuesta que ha tenido el cine mexicano”.

La trama, expuso, es protagonizada por una exitosa joven de 29 años, hija de un político y de posición resuelta, quien por un “accidente del destino” queda embarazada y no sabe quién es el padre.

Loza confesó, que creó al personaje protagónico especialmente para Karla Souza, “es una actriz súper trabajadora y talentosa”.

Dado los proyectos que tiene ya pactados la actriz, el rodaje de la cinta, que es a dos cámaras, será en cinco semanas y tendrá como locaciones la Ciudad de México; Coyoacán, Santa Fe y Santa María La Ribera, además de Acapulco, Guerrero y Morelos.

Respecto a su trabajo en esta comedia, Karla expuso que desde que leyó el guión supo que tenía que hacerlo porque “está increíble y porque ya tenía mucho tiempo sin hacer cine en México”.

La intérprete, quien por primera vez funge como coproductora en una película, aseguró que esta posición le ha permitido aportar algo más que sólo la interpretación de un papel, como algunas modificaciones en el guión y sus relaciones con marcas, entre otras.

Con esta incursión, señaló, busca aprender de maestros como Gustavo Loza y Mónica Lozano.

‘Acuérdate de Acapulco’, documental sobre el Acapulco que se nos fue

 
  

Un retrato del puerto de Acapulco en Semana Santa: así se presenta el documental ‘Acuérdate de Acapulco‘, del director de origen francés Ludovic Bonleux, que describe con maestría la evolución del famoso balneario mexicano. La legendaria ciudad fue punto de encuentro de la farándula mundial en los años 50, pero en los últimos años ha cambiado radicalmente.

Lejos de las películas sobre Acapulco que protagonizaron María Félix o Elvis Presley, la imagen que podría resumir el ambiente actual en el puerto es la de los uniformes de los militares federales de patrulla en las playas.

Desde México, donde reside, Ludovic Bonleux contó a RFI la génesis de este documental, una fotografía del actual Acapulco, a través de cinco personas que el cineasta considera representativas de la dinámica contemporánea de la ciudad.

A lo largo de la película aparece la imagen de María Félix como telón de fondo, que simboliza la época dorada del cine mexicano, y también la de Acapulco. Como si solo quedará el recuerdo del esplendor de una época de felicidad, que inspiró al cine y a cantantes, como el mexicano Agustín Lara.

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“Birdman”, Iñárritu abandona el sermón y emprende un vuelo audaz.

Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) representa antes que nada, un poderoso giro en la filmografía del mexicano Alejandro González Iñárritu. Después de un puñado de películas solemnes y mesiánicas, entre las que pueden citarse 21 gramos, Babel y Biutiful; el director sorprende con un relato en el que prevalece su habitual cinismo; pero con la saludable vuelta de tuerca de plasmarse a través de un oblicuo sentido del humor y una mirada menos sentenciosa hacia sus criaturas.

Riggan Thomson (un grandioso Michael Keaton), es una ex estrella de Hollywood caída en desgracia. Tras protagonizar veinte años atrás la exitosa trilogía de un popular superhéroe, su figura perdió vigencia y se transformó en una suerte de pieza de recuerdo vintage. Ahora Riggan vuelve por más. No sólo busca regresar a la escena del espectáculo, sino conquistar el prestigio artístico que nunca tuvo. Para esto, se encarga de adaptar, dirigir y protagonizar un relato escrito por Raymond Carver. Hasta aquí, el film podría ser otro de esos cuentos de redención transitados ya mil veces por el cine. Pero no, Iñárritu le agrega múltiples capas y lecturas a una historia que desde los primeros minutos se vuelve inquietante.

De movida y con mucho movimiento, el realizador nos zambulle en el mundo tras bambalinas en un teatro de Broadway. En esos laberínticos entretelones y pasillos, nos convertimos en testigos de las diferentes batallas de ego entre los protagonistas. Todos luchan con su personal cuota de narcisismo, y a la vez se ven obligados a enfrentar la de sus vulnerables compañeros de elenco.

Riggan, con una autoestima personal y profesional muy dañada, oscila entre la brillantez y la locura. Mientras que su co su protagonista en escena, Mike Shiner (Edward Norton), arrasa con un combo de déspota-caprichoso siempre dispuesto a la confrontación. En el medio está Lesley (Naomi Watts), una actriz cuya inseguridad se oculta tras la enorme ilusión de haber llegado a uno de los escenarios más prestigiosos del mundo. Birdman recorre cada rincón de la trastienda teatral con gracia y precisión, descubriendo un momento desopilante (que aquí no adelantaremos), cuando Riggan, entre escena y escena de la obra, sale a fumar un pucho a una callecita que se encuentra tras una puerta lateral del escenario.

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¿Qué opinaron los críticos de la película Cincuenta Sombras de Grey?

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Aparecieron las primeras reviews del esperado film. ¿Qué opinaron los críticos de la película Cincuenta Sombras de Grey? y ¿qué tan explícitas son las escenas de sexo?

La peli está basada en el primer libro de la trilogía erótica de E.L. James, y está protagonizada por Dakota Johnson, que hace el papel de una inexperimentada estudiante universitaria llamada Anastasia Steele, y Jamie Dornan que interpreta a su amado, el apuesto, sadomasoquista, millonario, Christian Grey.

Ambos son perfectos el uno para el otro: ella lo reta con sus desafíos, y ella está intrigada por la experiencia sexual de él y sus fetiches.

Pero ¿Qué pensaron los expertos en cine de la adaptación cinematográfica?

1.    Rafer Guzmmán de Newsday, llamó la película “poco satisfactoria” y le dio media estrella de cuatro. “Uno puede asombrarse de cuán aburrida y tonta puede ser una película sobre el sexo sadomasoquista”, escribió. “Está protagonizada por Dakota Johnson, como una estudiante que busca romance, y Jamie Dornan, como Christian Grey, un billonario con extraños gustos. Los actores son atractivos y los vemos muy desnudos, pero pese a todo eso, la película no tiene pulso de la cintura para abajo. Es más: está muerta del cuello para arriba”.

2.    Scott Mendelson de Forbes alabó la actuación de los actores diciendo que Johnson “da lo mejor de sí en este filme”, y que Dornan tiene “las peores líneas pero hace todo por venderlas también”. “El filme es exactamente lo que promete y más. Johnson es asombrosa mientras que Dornan hace lo que puede con el material que le dieron y hacen buena pareja. El filme es una explícita fantasía de escape en una época en la que esas cosas son escasas en Hollywood”.

3.    Claudia Puig, de USA Today, le dio 1 de 4 estrellas a una película “sosa y mal actuada”. Dijo que el diálogo del filme “es risible” y que no hay química entre los protagonistas. También revela lo que mucha gente quería saber: “Esos que buscan sexo salvaje quedarán decepcionados. Menos de 15 de los 125 minutos de la película son escenas de sexo. Discusiones de contratos opacan lo erótico. Hasta la desnudez gráfica se hace aburrida”.

4.    Justin Craig, de Fox News, escribe: “¿Cuán sexual es el film? Medianamente. Ciertamente hay muchos desnudos, pero más material erótico es mostrado cada día en el cable, no se acerca a lo que transmite Cinemax a la medianoche. Encontrarás imágenes más obscenas en Game of Thrones o Saw. La trama mediocre y personajes blandos no le hacen favores”. Agrega: “El director, Sam Taylor Johnson, trata la película como un cadáver, lo que es una decepción. El guión de Kelly Marcel, basado en la novela de E.L James, es carente de mensaje o significado. Esos errores hacen de Cincuenta Sombras de Grey un filme aburrido”.

5.    Justin Chang de Variety, asegura que el film no es “precisamente inteligente, pero el romance porno que se esperaba es mejor que en las novelas de E.L .James. Desafortunadamente es un drama que difícilmente puede sostener una película, y mucho menos tres. Y a medida que nuestra heroína se da cuenta de cuán oscuro es Christian Grey, la película comienza a perder su sentido del humor y despierta risas no necesariamente buenas, lo que llega a su clímax cuando un montaje sadomasoquista con muchas escenas en cámara lenta se disuelve para sugerir que Ana no es la única con los ojos vendados”.

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